Rebecca Zlotowski impose progressivement mais incontestablement sa griffe dans le paysage cinématographique français. Apparue sur les radars en 2010 au festival de Cannes section Semaine de la Critique avec Belle Épine qu’elle prolongera trois ans plus tard avec Grand Central présenté à Un Certain regard, on avoue bien volontiers que rien ou pas grand-chose ne nous avait donné envie de crier au génie ou à la fulgurante révélation décrétée par une bonne partie de la critique d’alors. On avoue aussi que son Planétarium qu’elle réalise en 2016 en s’adjoignant un casting plutôt détonnant (Natalie Portman, Lily-Rose Depp, Emmanuel Salinger, Amira Casar, Pierre Salvadori, Louis Garrel…) nous avait tellement laissé de marbre que nous ne l’avons toujours pas vu. C’est donc peu de dire que quand débarque Une fille facile à la Quinzaine des réalisateurs en 2019, on y va surtout pour satisfaire une curiosité des plus voyeuristes cinéphiles. Pensez donc, il y a Zahia en tête d’affiche. La claque rohmérienne que l’on s’est prise, outre le fait que l’on ne s’y attendait pas, et bien on ne s’en est toujours pas remis. Une brulure faciale que Les Enfants des autres prolonge de la plus belle des manières.
Avec Ari Aster, et même si son Midsommar nous avait laissé sur notre faim, Robert Eggers est sans aucun doute le réalisateur le plus excitant du moment. Qui n’a pas encore vu The Witch (écrire The VVitch), son premier film en forme de coup de maître, est sans aucun doute passé à côté d’une des meilleures expériences de cinéma de ces dix dernières années. Mais à l’instar du réalisateur d’Hérédité, son deuxième long a eu du mal à emmener le public vers les mêmes contrées plus ou moins inexplorées. Non que The Lighthouse soit un ratage mais disons que de notre point de vue, un film aussi extraordinaire qu’il soit dans la forme, ne peut revendiquer un quelconque statut autre qu’expérimental si l’histoire ne suit pas. Et le moins que l’on puisse dire c’est qu’avec The Northman Eggers a magnifiquement corrigé le tir.
On terminait notre avis sur Phantom Thread par ces quelques mots : « (…) un film ectoplasmique d’où n’émane qu’une forme de suffisance atone et inquiétante pour la suite d’une filmo de plus en plus sous respiration artificielle ». Oui on sait, s’auto-citer de la sorte peut aussi s’apparenter à de la suffisance. D’autant que pour le coup, on se mettait le doigt dans l’œil jusqu’à l’omoplate. C’est que Licorice Pizza est une petite dinguerie haute en couleur, primesautière en diable et foutraquement romantique. Bref, tout à l’opposé de la quasi-totalité de la filmo de Paul Thomas Anderson qui nous avait donc habitué jusqu’ici à des pensums lestés jusqu’à la gueule de sur-significations politico-historico-philosophiques et des mises en scènes à peine moins chargées. Elle était en effet bien loin la réussite naïve et prometteuse du Boogie Nights (1998) de ses débuts et celle, emprunte d’une délicatesse magistralement assumée, de Punch-Drunk Love (2003).
Daniel Craig a hésité avant d’endosser une dernière fois le costume de l’espion de cinéma le plus célèbre au monde. Il faut croire que « l’expérience » 007 Spectrene l’a pas totalement convaincu et qu’il manquait une véritable conclusion rompant ainsi avec la tradition de la franchise. Et de fait avec ce cinquième et dernier opus, l’évidence est là. On ne sait si les têtes pensantes avaient déjà à l’époque de Casino Royale en 2006 une vague idée de l’arc narratif des cinq prochains films (un peu comme cela se fait de nos jours sur une série télé), mais à l’évidence aujourd’hui celui-ci s’inscrit à la fois dans une authentique continuité bondienne tout en s’en démarquant plutôt violemment. De fait Mourir peut attendre ne manquera pas d’irriter les autoproclamés gardiens du Temple alors qu’à l’évidence il marche dans les pas d’un certain Au service secret de sa Majesté (1969) réalisé par l’oublié Peter Hunt. Il est vrai l’un des films, sinon le film le plus décrié de la série mais aussi le Bond le plus cathartique de la franchise et finalement celui qui nous tient le plus à cœur. Jusqu’à aujourd’hui.
Quand on associe Le Ciel est à vous à sa date de sortie, on ne peut s’empêcher de tiquer. En effet, comment ce film tourné en 1943 qui donne une image si moderne du couple et de la femme a pu être produit et distribué en pleine occupation allemande et in fine si bien perçu par les édiles collabos du régime de Vichy ? Régime dont la devise officielle était, faut-il le rappeler, Travail, Famille, Patrie. Et pas qu’un peu puisque l’on peut lire par exemple sous la plume d’une certaine Arlette Jazarin un enthousiasme tous azimuts envers un film qui selon elle « nous transmet une image exacte de la France […] Le Ciel est à vousest la première œuvre qui montre exactement des Français authentiques, leur dur labeur de chaque jour, leurs espérances moyennes, leur désir de laisser aux enfants une situation meilleure. Le ménage Gauthier est un véridique ménage de chez nous. » (Révolution nationale du 5/02/44).
